4o CAPÍTULO Tamara

LA INCLINACIÓN DE LA BALANZA
FALSIFICACION, ARTE Y CINE

En el capítulo 4 que aquí nos atañe, y considerando que es el primer capítulo del que escribo, hago la aclaración que de las cosas que aquí cuestiono es probable que se hayan explicado en los capítulos anteriores.

En principio, para acercarnos al tema de la falsificación hubiera preferido una definición de lo que es la verdad. Acercándome a la palabra verdad como aquello que es lo real, que define la realidad y la situación en la que existo.

Buscando la definición de REALIDAD agrego su significado: «todo lo que existe, independientemente de la conciencia del ser humano».

Si esta realidad es la verdad por lo tanto lo falso es aquello credo por el hombre en la búsqueda de su verdad, ¿una construcción o una tergiversación? Todo depende de donde se lea. Desde el aspecto histórico el asunto de lo tergiversado, de lo falso, ha sido creado desde el poder para poder mantener y continuar una historia conveniente para quien lo escribe. Considerando que el poder político y lo religioso van de la mano, según el texto de Andrea Ferreyra:

La falsificación lleva consigo el problema moral de la mentira, por lo que el encargado de descubrirla posee un halo de nobleza, ejerce el papel del bueno frente al falsificador que es el malo”

inclinando la balanza hacia el “juez salvador”. El asunto de lo moral pervierte el análisis de lo falso porque lo condiciona.

Alejando el sentido de lo moral, Ferreyra nos presenta los tipos de tergiversaciones según el nivel de incidencia en el entorno: el del objeto descontextualizado, el del objeto que adquiere un nuevo sentido a propósito (fraudulenta) y aquellos objetos que mezclan estos dos.

En el caso del arte, y considerando del inicio que son ficciones creadas a partir de realidades personales, es muy común los tipos de tergiversaciones como modos de creación, ejemplo de ellos son los montajes y las apropiaciones. Del otro lado se encuentran los plagios y las falsificaciones, siendo incluso en ocasiones parte de un discurso.

Siendo el cine una disciplina artística que pude reunir a todas las demás, es en ella donde se han narrado a detalle algunas historias de falsificadores, como el documntal de “Ruinas” donde se muestra el modo de construccion de una realidad a partir de la manipulación del pasado, tergiversándolo a tal punto que se construye una realidad.Andrea hace incapié en esto al decir que:

“El falsificador podría verse desde la óptica actual, como el orquestador de situaciones que, practicando un détournement fraudulento, ha incidido en el imaginariocolectivo”

Los tipos de narrativas, son los que le dan forma y sentido a las ficciones presentadas como reales, casos reales presentados en historias falsas, como la película “F or Fake”. Por otro lado, Orson Welles, lo que ha hecho es construir un escenario imaginario, donde lo no imposble de suceder convirtió una ficción en un hecho creible.

Mentir bien o mentir mal es lo que hace la diferencia según Fontcuberta, ya no se culpa al mentiroso sino a su torpeza. La ética entonces se ha cambiado por el placer, y se culpa al torpe no por mentir sino porque en su erros nos ha descubierto la realidad, algo que en el fondo parece no ser tan deseable.

Tamara Ibarra,

México, D.F. Noviembre 2010

Mi generación... remix

Mi generación.

El primer día de clases empezó a las ocho de la mañana, había muchísimo tráfico pero mi coche si circulaba los lunes en ese entonces, vivía más cerca entonces. Me acuerdo que llegué muy temprano cuando todavía no había nadie, la escuela estaba cerrada; me regresé a mi coche y me dormí un ratito. Lo recuerdo con algo de gracia, saliendo de mi casa y decidido a probar rutas para al final de la semana decidir la más efectiva, llegar y ver a amigos de la preparatoria en la entrada y conversar un rato con ellos, preguntarles cuál era el salón y preguntarles quien era Edgardo Ganado Kim. La primera clase fue un martes y no recuerdo con que maestro fue, lo que me llamaba la atención eran los compañeros del grupo: ¡estaban demasiado chicos!

Llegué como a las 10:30 al salón que tenía asignado para esa clase, si no me equivoco era el aula B; en la entrada había varios de mis compañeros sentados en las escaleras más cercanas platicando un poco entre sí. Mi salón era uno de estos redondos y me acuerdo que me senté junto a Betsy y junto a Miguel y empezamos a platicar mucho porque alguien traía un DS. Como una hora después el salón estaba lleno pero todavía no llegaba nuestro maestro de teoría. Betsy me presentó a Toño, a quien también conoció antes de entrar a clases y que se sentó cerca de ella también ese día. Platicamos un poco los tres y ella decidió que era el momento de conocer a nuestros compañeros, así que le preguntó a los que se encontraban sentados cerca cuáles eran sus nombres, uno por uno. Venía de haber hecho otra carrera y una especialidad, y de pronto había olvidado que entrar de nuevo a la escuela implicaba encontrarme con una generación muy diferente a aquella con la que había realizado mi primer licenciatura y que la mayor parte de ellos apenas venían saliendo de la preparatoria.

Como una hora después el salón estaba lleno pero todavía no llegaba nuestro maestro de teoría. De pronto entró con muchísimo glamour Edgardo Ganado Kim. Me acuerdo que estaba vestido muy bien, traía una playera negra con el Obama de la campaña que diseño Obey y unos pantalones de mezclilla con estoperoles feísimos,  de cierta forma extravagante, muy juvenil a pesar de que si tiene canas, y muy gay, y en efecto lo primero que hizo fue burlares de nosotros y abrirnos la mente.  Se quejó del tráfico,  de la cantidad de alumnos en su clase, de los letreros de no fumar, de los salones redondos,  del mundo del arte,  de cómo nos peinábamos.

Nos preguntó a todos por qué estábamos ahí y para nosotros qué era el arte. Recuerdo que nos pregunto de artistas que admirábamos y conteste Enrique Guzmán, al final se reía de nuestros pensamientos de viejitas que no sabían nada de arte contemporáneo, menos de Toño por su respuesta de Santiago Sierra. Algunos comentarios eran demasiado chistosos otros demasiado pretensiosos y me preguntaba quienes se mantendrían así con el paso de los años. Basta vivir unos años más para saber que todo se transforma, así que la seguridad de ellos con respecto a lo que decían me parecía fascinante como para seguirlos observando durante los siguientes años.

Tuvimos descanso de 2 a 4, ese día comí en la escuela de danza con Sofía. Comí galletas de canela de la señora Mary . Tenía una tiendita en su locker. Y una bolsa llena de mamuts. Mi locker estaba muy cerca de los talleres de grabado y le pegué una estampita.  Regresamos a clase de Cecilio Baltasar que me recordó mucho s un personaje de Dragon Ball, su clase no la recuerdo para nada solo recuerdo que casi me quedo dormido y que su voz me arrullaba más y más. Nos preguntó cuales eran nuestras áreas de interés y trataba de conversar sobre eso con nosotros, nos dictó el programa e-n-o-r-m-e, o tal vez lo escribió en el pizarrón con una letra completamente ilegible. La clase duró las 4 horas completas y salimos hasta las 7 de la noche, con muchísimo sueño luego del esfuerzo de no dormirme durante su clase.

El primer día de clases me dediqué a oír una generación ajena a la mía, entendí que era yo la que aprendería de ellos. Cuando llegué a mi casa le conté a todos la clase entera de Kim. Pensé que iba a ser mi maestro favorito pero luego el miércoles tuvimos clase con Gustavo Prado. Todavía no se quien ganó.

Saturnino Marquez . Ovo

Ovo

En el espacio alternativo de la esmeralda se encuentra una desvitalización de el clásico , insulso y hermético cubo blanco, convertido en un recorrido de piezas hechas por artistas jóvenes que se organizan a partir de un proyecto que se convirtió en la válvula de escape de la creación de los jóvenes artistas de la esmeralda, un espacio autóctono que nació con el nombre de Ovo que trataba de una cocina en la colonia del valle abierta a las intervenciones de artistas emergentes que buscan mostrar su trabajo. La organización de esta exposición entre tantos autores, aun estudiantes de la esmeralda en su mayoría, es muestra de la masturbación creativa que eyacula en la presentación de trabajos dignos de un espacio concurrido como el que posee la esmeralda.

Las piezas van desde el softporn la reproducción de la cocina que amamanto el proyecto, las lagrimas restantes de un performance, el erotismo, los objetos de mujer contenidos en una mesa dispuesta a la intervención, términos filosóficos acomodados en crucigrama, una fogata virtual y una construcción hechas in situ entre otras piezas que te llevan de la mano por un camino que culmina en una flor que esta por secarse

La idea de espacio autogestión les surge a los artistas desde tiempo atrás y se sigue conservando por la necesidad creativa de artistas con buscar nuevos caminos de entendimiento ante el arte y ante el espacio, sin quedarse en la jodida idea de esperar que caiga del cielo un espacio en museo o galería que solo incluye a los artistas de su agrado mercadologico en su mayoría de veces, el espacio autogestión es el negar y matar a la madre tan ingrata con sus hijos que no da cabida para sus proyectos en sus espacios

Saturnino Márquez

Uriel López capitulo 2

2 capitulo

El montaje en el producto artístico es una de los puntos muy validos que encuentro en las estrategia de producción, ya que muchas veces, o al menos en algunas opiniones que eh escuchado del publico en general, refieren a que muchas de las piezas de arte contemporáneo están basadas en historias que surgen de una interacción con un sector social y se pone en duda la veracidad de este acto. Por ejemplo hace tiempo escuche que el video en el que Yoshua Okon y Miguel Calderón en el que robaban un estéreo de carro era un montaje, que había policías escoltandolos y en ningún momento corrieron el riesgo de ser detenidos. No creo que por eso le reste valor a la pieza ya que a pesar de todo sigue siendo un montaje lo suficientemente efectivo para dar a entender su punto de vista.

Otro de los puntos que me pareció curioso fue el de las fotografías como una proyección de algo que estuvo presente, creo que es cierto pero a la ves va mas halla, no muchas veces los objetos o escenarios son reconocibles y creamos inclusive una ficción de la misma, la interpretación del ojo del fotógrafo es lo que le da toro sentido y le da un giro a lo ya presente.

En conclusión yo creo que el texto aborda muchos puntos que tienen que ver con la fundamentación de la historia y la manipulación de la historia, y es algo que no solo afecta el rubro del arte si no de la historia general, me viene a la mente la película “el dormilón” de woody allen en la que después de esta congelado por varios años, al despertar se encuentra en otra era, y le preguntan sobre personajes de la historia que se supone en el futuro desconocen, personajes como hitler, franco entre otros, y el da una versión totalmente falsa de la identidad de cada uno, así se maneja la historia yo creo, es subjetivo y un poco trata de adivinar y complementar como funcionaba una sociedad antigua. Esta idea de que somos creadores de nuestra propia historia me parece formidable, somos el fundamento de historias que quizá fueron afirmadas por tres o 1000 personas pero al final son opiniones diferentes que al afirmar distorsionan el como sucedieron las cosas ya que cada uno percibe diferente.

Saturnino Marquez, semblanza

Saturnino Márquez (1983- )

Amante del performance, la música y la fotografía, escritor de la estética, tan poco narrada, de la vida social del mundo del arte. Saturnino es un personaje que se engendra el 20 de Noviembre de 1983 en La ciudad de Puebla de Los Angeles, siendo un puberto y después joven insolente, estudia en varias instituciones hasta que decide ser estudiante de su propio por venir, abandonando la escuela a los 17 años, situación que le obliga a trabajar de todologo en diferentes lugares y situaciones. Esta circunstancia lo lleva a la Universidad de Artes Plásticas de Puebla en la cual labora como utilero, es ahí donde un punto clave de su vida, ya que conoce a Edgardo Ganado Kim, el cual funge como su maestro y lo adentra en el excéntrico mundo del arte. Actualmente reside en la ciudad, hace fotografía y escribe en varias publicaciones narrandonos lo bohemios, borrachos, y egocéntricos que somos los artistas, con un léxico que vuelve formal lo obscuro.

José Luis Sánchez Rull

Uriel López

Capitulo 5

El artista que es mas visto como persona que como productor es una de las rarezas que tiene el historia del arte, y que se critica continuamente, mas no se evita, a veces nos es mas reconocible un Warhol que usaba peluca, excéntrico, que salía en la tele y que le dispararon en un intento de asesinato. que un Warhol que critico fuertemente el mercado del arte y se adentro en el mercado del diseño, o igualmente con Frida kahlo que se tiene una amplia filmografía sobre su vida pero a su vez su biografía le gana a su obra y se vuelve mas un personaje que un artista. Lo concibo como una reacción humana natural, la ambición de el reconocimiento social como símbolo de éxito y a una tendencia de masas por crear arquetipos de artistas y mitos sobre estos mismos

El colectivo italiano Luther Blisset plantea una dinámica diferente y realmente interesante, igual que el colectivo Wu Ming, aunque con ideas diferentes de producción y arte en si. Ambos colectivos manejan la dispersión del individuo o mejor dicho del autor para la concentración en una pieza, es la eliminación total de un personaje reconocible para la practica artística sin prejuicio de autor, y este se refleja en sus mismas acciones, donde principalmente se trata de crear mitos sobre personajes para destruirlos, una reflexión al quehacer artístico a través de la historia, un Dalí sin excentricidades, un Lautrec sobrio, un Van Gohg con éxito económico, un Basquiat vivo, o una ausencia total de los klisches acerca de los artistas (en especial los pintores).

El planteamiento entonces fuera de escrúpulos de autor, nos dirige a una idea primigenia, la idea de origen o la idea sin vestiduras, la idea de romper mitos de autor y entrar de lleno a la producción , por lo tanto veo que la inverosimilitud en el mundo del arte ah jugado un papel importante que no podemos despreciar, pero tampoco identificar como el constructor de todos los artistas reconocidos.

También otra de las ideologías del autor múltiple de estos colectivos consista en la de un activismo político sin posibles represalias, y es aquí donde entra otra cuestión importante del capitulo, ¿el arte como actor social, que tan producente o contraproducente puede resultar?. Muchas veces se oye hablar de las piezas interrelacionales, ¿pero estas como benefactor social que tanto bien pueden acarrear? ¿o estamos en un punto en el que el arte contemporáneo exige a las personas como materia prima de objeto artístico?

El arte esta estipulado desde hace tiempo que en el mayor de los casos esta controlado por un sector clase mediero, refiriendome en cuanto a producción y que es producto para la clase alta, por lo tanto el trabajar con masas no justifica un interés de llevar arte a todos los sectores, gran parte de las piezas interrelacionales son una especie de placebo moral, en la que el artista se libera de un deber social mediante su producción y al finalizar esta no le retribuye nada, inclusive hasta una experiencia grata.

Satiago Sierra podría ser un personaje clave para este tipo de trabajo, sin ponerse falsas definiciones de benefactor, produce mediante la practica de usar a un sector de la sociedad desprotegido como materia prima, y los retribuye con dinero, pero no por el hecho de incluir un pago hace que se diferencie de muchas piezas donde se explota a una comunidad con la que trabaja el artista para lograr su pieza. Anecdóticamente, en el proceso de una pieza de Melanie Smith me toco observar maltrato de los mismos organizadores hacia miles de estudiantes que llevaron al Estadio Azteca, para hacer un mosaico gigante con pancartas, un proyecto en el que, en primera los estudiantes no fueron informados de que iban a realizar y en segunda fueron obligados a asistir.

Aunque todo lo que tenga que ver con la filosofía de la interrelación no tiene que ver con lucro y aprovecharse del otro, como el movimiento que inicio Richard Stallman en el que surge la ideología del software libre como medio de conocimiento distribuido, en el cual se propone que todos los países, primermundistas y tercermundistas tienen el derecho a desarrollar sus propias tecnologías, esta por medio de una Wiki en la que cada autor de diferente país va contribuyendo con su información, y que después alguien mas siga aumentando este conocimiento y así crear una red de colaboradores en linea para el mejoramiento y desarrollo de software y hardware. Su antecedente viene de la editorial Rusa MIR que servían a la unión soviética, y hacían distribución gratuita de libros entre la comunidad de gran variedad de temas, principalmente de sociales y ciencias. En la Filosofía del conocimiento distribuido ah funcionado, la dinámica de interrelación conserva un respeto y un beneficio a quien decide participar.

:: Cap. 5 Adriana García ::

Colectivos como “Guerrilla Girls”, un grupo de artistas feministas que protestaba contra la discriminación por género y raza en los grandes museos, o “Gran Fury”, el colectivo que hablaba sobre el problema pandémico que era el SIDA a finales de los ochentas; en realidad se valieron en parte de la falsificación y la tergiversación, que es tema recurrente en esta investigación; pero ambos dan la pauta de como el activismo se hizo presente con seriedad en el mundo del arte a mediados de los ochentas. Esto no es una novedad particular de esa época, porque el arte siempre ha tenido, y tendrá, su tajada de protesta; como bien obvio fue durante los sesentas.

El arte público siempre tendrá estos tintes opinionados, pues se presenta para hablarle al público en general, que son los transeúntes, o cualquiera que viva en aquel lugar donde se presente la pieza, o la acción; sin embargo, siempre se trata el tema expuesto desde la posición del artista como persona dentro de esa sociedad a la que se muestra. Con esto no solo hablamos de la calle como un espacio público, sino de los medios también; que es en lo que muchos colectivos artísticos/activistas de los ochentas se apoyaban para comunicar aquello que querían decir en su obra; para después poder, o tratar, crear un puente entre esto y los medios artísticos, como las bienales y demás.

El activismo en el arte tiene la ventaja de ser lúdico y atractivo, es lograr a través de algo estéticamente fascinante que se reflexione sobre un problema social. Esto no es del ingenio total de los artistas, vaya, que si la publicidad nos quiere hacer notar algo no hay nada como lo ingenioso y llamativo para lograrlo. Es usar la misma técnica, pero con un poco mas de sesos; le quita lo aburrido, lo extremadamente aburrido que es el proselitismo, que tanto nos quieren meter sus ideales por cada agujero que tengamos, y que por eso lo rechazamos automáticamente; es evitarse el montón de palabrería y llamar la atención a lo que en verdad importa reflexionar.

Como dijo Fontcuberta alguna vez para una entrevista “El que sea divertido no le quita la seriedad”, son estos recursos lo que permiten darle la vuelta y crear de un problema algo realmente reflexivo y original, como TODA pieza de arte debería ser; esto permitirá también que sean recordadas sin dejar de lado su intensión política o social.

Encuentro justa la ausencia de una autoría personal en este tipo de trabajos; el crédito grupal, que le da un velo de anonimato, evita que uno se desvíe del mensaje principal y se hile directamente al trabajo anterior del artista que sea mencionado. Aunque creo que esto es válido para aquellos artistas reconocidos y célebres que se unan a este tipo de situaciones.

Creo que para los artistas desconocidos, por el contrario, debe ser una abstinencia para el ego terrible. El estar involucrado en algo que resuene en los medios y que no pueda decir que es él o ella quien también está detrás de todo eso, y así poder obtener cierto reconocimiento. Pero esto solo nos deja más claro que lo que importa, como en el caso del artista famoso, es el mensaje que se quiere dar a conocer. ¿Qué no ha de ser frustrante que tu “one hit wonder” jamás te pueda ser reconocido? ¿Qué tanto beneficia este “honor”?

Distingamos que hay dos razones principales por las cuales se destacan el abandonar la autoría como individuo creador. Una es renunciar al crédito, como es en esta ocasión que vemos; y la otra es renunciar al cobro por derechos, como en el caso expuesto de los desarrolladores de software libre y otros proyectos que promueven el DIY y no someterse a la explotación de las grandes corporaciones y su monopolio intelectual; el infierno que continuamente representa el copyright.

Aquello de que “la unión hace la fuerza” no se dice solo porque sí, otra ventaja de que se tenga este anonimato, respaldado por un nombre que defina al grupo como un total es que cualquier acusación pueden ser respondida por cualquiera del grupo, es una especie de hermandad la que se puede ver. No es solo la opinión “loca” de una persona egolatra, es una masa, una comunidad la que denuncia, y esto le aporta fuerza.

Por otro lado, tal vez si los nombres de los integrantes se dieran a conocer, también sería mayor la difusión de todo. Quizá esto suena más a una causa que Bono apoyaría, y que trata de usar el ultrareconocido nombre y la credibilidad casi institucional que tiene Bono. Pero no cabe duda que sí funcionaría.

Sin embargo no hay que olvidar que no es una cuestión de caridad, sino de reflexión sin dejar de lado el arte. Es esta “rebelión” lo que nos recuerda más al proselitismo que al apoyo de una causa caritativa.

Este estire y afloje que existe, entre el querer estar dentro de los círculos del arte o contra ellos, crea un conflicto al querer ubicar a ciertos artistas-activistas para saber si lo que hacen es arte o no. Además ¿qué tan conveniente es para estos artistas que su activismo sea respaldado por instituciones? ¿Por quién quieren ser tomados en cuenta? ¿Y por quienes quieren ser ignorados?

Creo que cuando no es un conflicto tan grave el ser absorbidos por estos círculos, es donde se demuestra una madurez tanto como artista y activista; por difícil que sea encontrar este balance, el de no comprometerse con ninguno de los dos. Saber hacer funcionar lo que venga al proyecto en su camino de desarrollo, y no asustarse con el título cliché y ridiculizante de “vendido”, o a la mínima provocación.

Estamos tan desacostumbrados a que algo que pertenece a algún tipo de rebelión sea presentado por alguna institución dominante de los medios o el arte, que inmediatamente cuando vemos ese suceso tan extraño ponemos en duda su credibilidad, nos huele raro. Es difícil creer en alguien que pueda tener una relación con algo que tenga ciertas creencias u opiniones contrarias a lo que se “predica” en el proyecto pueda tener la más mínima ética que lo respalde.

La idea del anonimato y el camuflaje puede bien tener otras intenciones totalmente distintas; es aquí donde regresamos a la falsificación, o a la creación de alteregos para hablar de situaciones que se plantean fuera del contexto artístico, como en la referencia, de nuevo, que es Fontcuberta. Y así nos permite reflexionar mas allá de los pasillos de los museos. Este disfraz nos permite viajar a escondidas y llevar el arte a terrenos ajenos, pero no por eso menos interesantes al artista.

RECOMENDACIÓN. Cloe Franqui-Tamara

HIT-GIRL. Una chica nada convencional

Muchos la conocimos por la película KICK-ASS la del super héroe sin poderes, ella salvaba al super héroe de la película. El personaje no sé si me guste, pero lo que si es cierto es que se me hace interesante: una niña de 13 años (¡tiene mi edad!) que sabe manejar todas las armas de combate.

Hit-girl es un personaje de cómic que a pesar de su corta edad gusta de la violencia y la sangre. Para muchos es considerada como un mal ejemplo para la juventud, creo que a los grandes se les olvida todas las imágenes de violencia que ellos generan. Pero además, ¿quién de nosotros no ha querido ser un superhéroe?

Pensando en que solo es una ficción con fines de entretenimiento les recomiendo vean a pelicula, y si son fans comenten o suban fotos, porque ¡yo si soy fan!

Clóe-Girl Franqui

MI 1er DÍA DE CLASES. Tamara Ibarra

SEGUNDA OPORTUNIDAD

Mi primer día de clases fue el segundo de los demás. El que se supone sería el primer día, me la pasé arreglando unos papeles en la dirección y enterándome cual era mi grupo.

La primer clase fué un martes y no recuerdo con que maestro fue, lo que me llamaba la atención eran los compañeros del grupo: ¡estaban demasiado chicos!

Venía de haber hecho otra carrera y una especialidad, y de pronto había olvidado que entrar de nuevo a la escuela implicaba encontrarme con una generación muy diferente a aquella con la que había realizado mi primer licenciatura y que la mayor parte de ellos apenas venían saliendo de la preparatoria.

De las dos clases que tuvimos ese día no recuerdo ni que materias eran, lo que hacía era escuchar lo que decían los demás del grupo: algunos comentarios eran demasiado chistosos otros demasiado pretensiosos y me preguntaba quienes se mantendrían así con el paso de los años. Basta vivir unos años más para saber que todo se transforma, así que la seguridad de ellos con respecto a lo que decían me parecía fascinante como para seguirlos observando durante los siguientes años.

El primer día de clases me dediqué a oir una generación ajena a la mía, entendí que era yo la que aprendería de ellos.

RESEÑA OVO. Clóe Franqui-Tamara

UN PASEO POR OVO

Hola amigos, ya les había contado antes de OVO (la cocina que intervienen jóvenes artistas). Ahora estos chicos han presentado una colectiva (las colectivas son exposiciones que no son individuales, en ellas participan un grupo de artistas) en el CENART, ese edificio morado que está en la esquina de Tlalpan con Churubusco.

“OVO Habitante” es el título de la exposición y quiero decirles que no se parece nada a lo que ya han visto. Esta exhibicón les va a gustar por muchas cosas: la primera es que no es como los museos aburridos donde no te puedes cercar mucho ni tocar, aquí puedes ver, caminar, entrar a las piezas, ¡es emocionante! es mas vi-ven-cial.

Los artistas están presentando nuevas piezas inspiradas en la primera que realizaron en la cocina, reelecturas. Es como un recorrido por los recuerdos generados en la cocina.
Empieza la exposición con un camino muy angosto por el que debes de pasar de lado, es una pieza de la fotógrafa Adela Goldbard ¡ya saben que soy fan!, lo padre de esta expo es que no pasa como en otras ue n sabes si debes de empezar a ver por un lado o por el otro, ya que hay un camino de pasto ¡sobre el que puedes caminar! que te va llevando a las piezas. En el centro de la primer sala está una reproducción de la cocina a escala real, y me sorprendí de lo pequeña que es, ahora reconoco mas el trabajo de los chicos pues teían realmente poco espacio para desarrllar sus piezas y que tuvieran el impacto o la lectura que se necesitaba.

Dentro de esa cocina blanca se proyectaban los registros de Tamara Ibarra, donde se podía ver su vida diaria habitando las piezas que habían en su cocina. Me dan ganas de decirle que quiero vivir unos días ahí :)

En medio de las dos salas se encuentra un tapanco de Dasha Chernysheva (yo creo que es rusa, pero no la conozco) desde ahí puedes observar las dos salas como si fuera un mirador, y también puedes leer los fanzines de Diego Teo que están en un librerito arriba del tapanco. En la otra sala había un refrigerador de Mario López y Ana Hernández que tenía una pecera dentro, yo estaba feliz viendo los pecesitos paseándose por una cocina pequeña.

Uy! quisiera describirles todas las piezas, pero mejor vayan, les va a encantar. He salido contenta con esa expo, yo creo que iré por un helado, ¡no se la pierdan!.

Clóe “OVO” Franqui

ALTER EGO. Tamara Ibarra

Clóe Franqui

Niña de padre mexicano y madre cubana. Nace en México, D.F.

Desde los 3 años prefiere estar en los museos que jugar con sus amigos. No tiene hermanos.

Es una observadora, alegre y sociable aunque prefiere estar acompañada de gente mayor.

Actualmente tiene 13 años, está en 2º de Secundaria y participa cada mes en el periódico mural. Le gusta escribir de las exposiciones que visita. Colabora en dos periódicos con una columna dirigida a niños y adolescentes sobre las experiencias en los museos.

Le gusta bailar y en vacaiones le encant ir a la playa enterrarse en la arena mientras lee un libro.

De grande no quiere ser escritora ni crítica de arte. Quiere abrir un museo de arte para niños.

MI GENERACIÓN. Tamara Ibarra

LOS AÑOS FLUORECENTES
MI GENERACIÓN

Sobre las características de la generación a la que pertenezco es un poco difícil ubicarme en un grupo, ya que siempre me he relacionado con gente dos décadas mayor o una década menor y sobre lo que ellos oyen, escuchan, ven, me muevo.
Me tocó una época de transición, soy de los Ochentas y podía estar en el boom de las computadoras al mismo tiempo que tenía clases de mecanografía en la escuela de monjas, mis padres tenían sus tocadiscos y yo el walkman. Mi generación entonces trata de un proceso de adaptación a nuevas formas de modernidad, donde la música y la ropa rompía cualquier esquema impuesto antes por los padres.
Era en la ropa donde se notaban los cambios del pais, de pronto ya había mas acceso a ropa que anteriormente solo conseguias yendo de compras a estados unidos. Todas las niñas queríamos vestirnos como madonna aún cuando no entendíamos que eso fuera muy sexual, solo veíamos que era rebelde. Después de las crinolinas, mallas y guantes llegó lo que parecía que siempre habíamos esperado : LOS COLORES FLUORESCENTES.
Eso era mas rebelde que vestirse de madonna, los papás se enojaban de que usaras colores que “afectaban” la vista y “no combinaban con nada”.
Esos días duraron poco, pero causaron mucho impacto porque realmente era divertido llegar a las fiestas y todos con sus ropas megacoloridas.
Mi generación vió el éxito que tivoern grupos como Locomía, Garibaldi, Backstreet boys, Spice girls, y otros nombres que no me emocionan tanto a mi, parecía que armar un grupo era el pase directo a la fama.
Del cine recuerdo el impacto que podía causar las películas como ET, La historia sin fin, y las sagas de peliculas de aventuras amorosas como estar enamorado de una sirena, un maniquí o un robot. Fue época de culebrones cinematográficos, como Rambo, cada película que se jactara de ser taquillera por lo menos llegaba a la parte III, incluyendo ls mexicanas como Lola “la trailera”.
Como decí en un principio, a mi generación le tocó ser la transición entre los aparatos mecánicos y los digitales. Ahora nos mezclamos con otras generaciones donde el Internet une intereses, crea grupos y la vida es inintendible como edades sino como comunidades.
Podemos decir que hemos pasado la prueba, que somos de este siglo aunque seamos del pasado.

Tamara Ibarra